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Ander,

Notifícame por correo electrónico si hay algún error o si falta algún trabajo para que pueda rectificarlo lo antes posible. Tendré mi ordenador a mano mañana.

Paul

P.D: ¡No olvides alimentar a los peces! :P

VIDEO COLABORATIVO. GUIÓN, STORY BOARD, REALIZACIÓN

MOVIMIENTO REAL / MOVIMIENTO REPRESENTADO

El grupo ha realizado un objeto dotado de movimiento real inspirado en distintas fuentes previas.  En cuanto al movimiento en sí, ha llamado nuestra atención el arte Cinético y el arte Povera en general, y Arthur Ganson en particular, como artista que trabaja ambos.

El ARTE CINÉTICO engloba todas aquellas manifestaciones artísticas que están dotadas de movimiento. Sus autores pueden utilizar técnicas ópticas (juegos de luces y sombras, contrastes de tamaños, texturas y colores) o bien introducir movimiento físico, a través de la incorporación de motores o electroimanes, movimiento que también puede lograrse sin energía mecánica, por corrientes de aire, cambios de temperatura etc.
Entre ellas podemos distinguir varios tipos de obras cinéticas de acuerdo con la manera que produzca sensación de movimiento
>Los estables: Son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
>Los móviles: Son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas, cambiando su estructura constantemente.
>Los penetrables: Generalmente la obra es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.

Enlaces:
http://www.youtube.com/watch?v=3XgROWzZoEo


El ARTE POVERA nació a mediados de los años setenta. Es un movimiento que se basa en la utilización de materiales considerados ‘pobres’, de muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carentes de valor. La utilización de materiales de desecho para crear obras de arte o piezas de diseño, ha tenido su continuación en nuestros días, utilizando materiales como CDs, envases PET, vinilos, botones, fragmentos de bicicletas o cualquier otro material reciclado.
El reciclaje se perfila como una de las claves para lograr un mundo más sostenible y no acabar con los recursos del planeta. Se pueden reciclar objetos cotidianos para crear objetos de gran utilidad en nuestros hogares, pero también se pueden crear auténticas obras de arte con materiales procedentes del reciclaje.
Un ejemplo de la energía de este movimiento en España, es la asociación Drap Art, que promueve el reciclaje creativo, organizando festivales, exposiciones o talleres.
Estos son algunos ejemplos de obras de arte confeccionadas con materiales procedentes del reciclaje, de artistas como: 

 JOHNSTON FOSTER
http://rare-gallery.com/Johnston%20Foster.html


TOM DEININGER
http://www.tomdeiningerart.com/


ZAC FREEMAN
http://www.zacfreemanart.com/

ARTHUR GANSON
Con este artista unimos los dos conceptos anteriores (arte povera y arte cinético) con los inicios del stop motion.

Famoso escultor cinético que nació en 1955 en Hartford, Connecticut. Recibió un grado universitario de Bellas Artes de la Universidad de New Hampshire en 1978. Hace demostraciones de arte mecánica y de máquinas Rube Goldberg con temas existenciales.
La mejor manera de llegar a conocer a este artista es a través de sus propias palabras:

“Cuando era un niño era demasiado introvertido, así que para poder sobrevivir a eso tuve que inventarme mi propio espacio, comencé a construir cosas para poder demostrarle a las demás personas mi amor y otros sentimientos, así que cada vez ponía más ideas y pasión en los objetos que construía, comencé a aprender la manera en que mis manos podían hablar a través de esos objetos.
Así llegué a entender que construir objetos no sólo tenían que ver con la idea sino con mis sentimientos que tengo en el momento de construirlos. Sin embargo, las ideas son desesperantes, tengo demasiadas piezas construidas que no tienen ninguna relación entre ellas, simplemente son ideas que llegaron a mi cerebro.
Comencé explorando el movimiento como muchos niños me divertía creando historias en las orillas de los libros y revistas, haciendo pasar rápidamente cada página se iba creando la animación y claro cuando uno es niño le encanta crear destrucción, así que mis historias animadas eran automóviles estrellándose.
Ya en la preparatoria me encontraba en medio de un mundo que había creado lleno de complicadísimas máquinas, cuando ingresé a la Universidad me comenzó a interesar la cirugía, esa habilidad tan precisa que puede uno tener con las manos y además la ingeniería, así que a fin de cuentas todas estas cosas se resumieron en crear esculturas donde pudiera poner en ellas las ideas, los sentimientos, la precisión quirúrgica y la mecánica.”

ENLACES:
http://www.arthurganson.com/pages/Sculptures.html
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=XLHIf-VAgDs


STOP MOTION:
El stop motion, animación en volumen, parada de imagen, paso de foto a foto o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, tanto rígido como maleable. Como los juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina.
Podríamos también definir esta forma de animar como la animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma; manipulando el muñeco con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros...) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso.

ENLACES:
http://www.youtube.com/watch?v=fusYZ7eIhps
http://www.youtube.com/watch?v=2_HXUhShhmY
http://www.youtube.com/watch?v=qBjLW5_dGAM

 DISEÑO:
Desde un principio, en el equipo coincidimos en que queríamos que nuestro artilugio fuera sencillo, de pequeño tamaño para mayor comodidad a la hora de trasportarlo, económico y ágil. Tras diversas ideas nos decantamos por una forma animal, eligiendo, con todos los requisitos anteriores, la representación de un ratón.

Para estudiar la relación materiales-coste, haremos una tabla:
CANTIDAD / MATERIAL / COSTE
1 Calcetin grueso viejo: Aprox 2 €

1 Bobina de hilo: 1.10 €
1 Relleno de espuma: Aprox 3€
1 Bolsita de gomas elásticas: 0.80€
1 Paquete palillos/ maderitas/pintxos morunos: Aprox 1€

De este modo, podemos calcular, que en este proyecto hemos gastado alrededor de unos 6 euros.

FORMA ESTETICA
Aparentemente podemos apreciar a la perfección un retal de formas redondeadas de tela gruesa y marrón, cosida a un pedazo de espuma; los cuales cubren el mecanismo de nuestro “ratón”. Este mecanismo consiste en una lata de refresco cortada por la mitad y agujereada por los dos extremos. A cada extremo se le ata un par de gomas elásticas, que a su vez van unidas a una bobina de hilo gorda. Por último, el extremo del hilo (enrollado en la bovina) atraviesa la pared de la lata y de las telas, llegando hasta la superficie del animal. Los palitos y maderas se añadirán para una mejor sujeción entre los elementos.


FUNCIONAMIENTO
Al estirar del hilo, la bovina rotará sobre si misma, que, al estar enganchada a unas gomas elásticas, creará una tensión que provocara que al contacto del animal con la superficie del suelo ( al tiempo que dejas de estirar e hilo), la bovina trate de volver a su posición y el propio ratón se desplace.


¿Por qué este trabajo que habeis hecho se inscribe dentro del arte contemporáneo? Señala y argumenta las ideas que lo explican.


Contemporáneo, con origen en contemporanĕus, es aquello perteneciente o relativo a la época en que se vive. Se define como arte contemporáneo, por lo tanto, al arte producido en nuestra época.
Las principales características que pueden señalarse con respecto al arte producido en ese siglo son aquellas que hacen a una innovación en las normas a seguir, como así también el uso de patrones antiguos que están utilizados con una significación distinta a la original.

Por lo tanto, la unión de nuestro objeto con esta definición se establece en el momento que: la hemos llevado a cabo en la actualidad y mediante métodos actuales; inspirándonos de igual manera en artistas contemporáneos, nombrados con anterioridad en este mismo dossier. Así hacemos protagonista al objeto cotidiano y reciclado, mezclado con la intervención del espectador.
   
Propuesta de trabajo:                                                  

Nuestro objetivo era realizar manualmente un objeto dotado de un movimiento autónomo a la par que agradable en su forma física. La decisión ha sido grupal aportando cada uno una idea diferente, y escogiendo en definitiva la mas convincente. A pesar de las dificultades, consideramos que lo hemos alcanzado, pues todos los requisitos a cumplir están presentes en nuestra obra.

Proceso de trabajo:

El proceso de realización ha sido explicado paso por paso en el dossier, al igual que en el stop motion. De todos modos, algo que ha caracterizado nuestro proceso de trabajo al completo es su completa realización manual.
Uno de los problemas encontrados durante la realización ha sido la falta de coordinación entre los miembros del grupo a la hora de encontrarse, al igual que la inexperiencia en el momento de hacer animaciones y la incomprensión en un inicio del planteamiento del proyecto. Como grupo nos hemos planteado solucionar estos mismos para el siguiente proyecto, ya que en este hemos contado con una semana de prolongación.

Trabajo en equipo:

La construcción en sí del objeto en movimiento la ha llevado a cabo Irma Baldwin, la documentación y la organización del trabajo la han llevado a cabo Johana Vera y Cecilia Cameo, y la animación ha sido realizada por Paul Dupont y Bruno de Icaza. La contribución ha sido equitativa por parte de todos.

Autoevaluación:

Nuestra valoración del resultado final es positiva; a pesar de la inexperiencia y de las dificultades encontradas hemos conseguido lo propuesto por el profesor, por lo que se podría decir que hemos superado el reto. También debemos destacar el aprendizaje por nuestra parte durante el proceso.

DISEÑO Y CREACIÓN DE UN ELEMENTO LUMINOSO

Para la realización de este trabajo me he inspirado básicamente en la obra “Cristal code refletions of element light” de Trensig. Los demás elementos de la obra final se vieron condicionados por factores externos .

PROYECTOS:

·         La idea inicial era más parecida a esta obra que la final: se trataba de posicionar en una mesa varios botes (vasos, tarros…) y hacer pasar por su interior un tendido eléctrico con una bombilla fluorescente blanca en cada recipiente. Cada uno de ellos sería llenado con una sustancia llamada Novec 1230. Este líquido similar al agua posee la particularidad de no mojar y no conducir la electricidad, por lo que no resultaría problemático hacer pasar un tendido eléctrico a través de él.

 Se utiliza normalmente como liquido de extinción de incendios en lugares donde se encuentran elementos electrónicos u objetos sensibles a la humedad (libros).

Rechazé finalmente esta idea ya que se trataba de un material de trabajo muy caro (350ml = 15€ aprox.) ya que tenía que llenar varios recipientes con el.

·         La segunda idea se basaba en la creación de una criatura. Se trataría de hacerse con una bola de plástico blanca transparente y con la ayuda de pintura negra en spray y un molde, dibujar una cara en el interior de tal manera que, al insertar una bombilla dentro, solo se vería lo dibujado. Las extremidades las hubiera realizado con alambre retorcido.

PROYECTO FINAL:

Para la obra final, he vuelto al concepto de Trensig utilizando recipientes transparentes, pero esta vez sin líquido dentro.

Materiales: Caja de cartón, cuatro recipientes de cristal, cuatro bombillas, tres cables con interruptor y enchufe, cuatro casquillos cerámicos, celo y cuatro casquillos para bombillas.

Coste del trabajo: 40,05,€

Todo el sistema de cableado esta realizado manualmente y nada se ha comprado realizado de antemano. Al principio, tenía pensado que las bombillas se encendieran y apagaran por sí solas mediante un sistema eléctrico más complejo. La sencillez de este circuito se debe al poco conocimiento que tengo en la materia. Incluso tuve mis dudas al comprar las bombillas que debían equivaler a la pontencia de los casquillos. Finalmente, todo salió bien a la primera y no tuve que rectificar nada.

PROCESO DE LA OBRA:

En primer lugar me aseguré de que las bombillas eran compatibles con el resto del cableado.

Pinté de negro la caja de cartón con acrílico.

Monté todo el circuito cortando los enchufes sobrantes y utilizando el cable restante como alargador, que desembocaba en dos bombillas por casquillo. (Más tarde se me ocurrió ponerle a cada soporte de bombilla el resto de un rollo de papel higiénico para que pudiera mantenerse en posición vertical.)

Monté todo el cableado en la base del objeto.

Por falta de medios, tengo pensado poner en cada recipiente papel vegetal o transparente ya que la luz es demasiado directa y no deja apreciar muy bien los colores de los jarros.

Luminosidad y carta gris

Este ejercicio de iluminación se realizó con una cámara reflex. Cada fotografía corresponde a una zona de medición diferente de esta dependiendo de su luminosidad. Dispusimos de una carta gris proporcionada por el profesor para poder partir de una medición base, para derivar en claridad u obscuridad modificando los parámetros de la cámara y de un fotómetro. Todas estas fotos se tomaron a una distancia focal de 24mm (15x1,6---> Aps-c) y manteniendo una apertura de f/4 y una ISO de 100.

Carta gris: 1/20 - f/4 - ISO 100

Penumbra: 1/80 - f/4 - ISO 100

Máxima luz: 1/320 - f/4 - ISO 100

Máxima sombra: 1/4 - f/4 - ISO 100

Apreciamos en cada foto que cada una de ellas es más clara o mas oscura, esto se debe a que hemos hecho variar los parámetros de la cámara para adaptarlos a una zona concreta de la fotografía, lo que explica que, por ejemplo, en la foto de máxima luz no se aprecien los demás objetos más oscuros alrededor de la zona medida.

Posición de la luz

"Siete días en el mundo del arte” Sarah Thornton

Siete días en el mundo del arte es un libro por Sarah Thorton escrito en forma de diario en el que la autora muestras los diferentes aspectos del arte a través de la observación, de reflexiones, entrevistas… Sarah Thorton transcurre estos días en cinco países distintos.
En este libro, la autora nos cuenta una historia cronológica a la vez que nos informa de hechos reales de finales del siglo pasado.
Sarah thornton licenciada en historia del arte e importante sabedora del mundo del arte al igual que su mercado. En el libro muestra un recorrido por algunos de los ámbitos más significativos que forman el mundo del arte contemporáneo actual.
RESUMEN PERSONAL:
En el primer capítulo, titulado La Subasta, nos adentramos en la celebración de una subasta en Christies. En él conocemos impresiones de primera mano del subastador y de algunos de los compradores habituales de arte mediante subastas: los multimillonarios coleccionistas.
En el segundo capítulo asistimos a la Crit (CALIFORNIA INSTITUTE OF THE ARTS) en la cual los estudiantes de arte presentan su trabajo para una crítica colectiva y se nos presenta su día a día. Aparecen ahora unos nuevos personajes sin recursos económicos contrastando con los coleccionistas ricos que aparecen en el resto de los capítulos.
El tercer día (La feria) transcurre en Suiza, en La Feria Suiza, Art Basel, en la cual nos presenta a algunos compradores y galeristas y el funcionamiento de la misma. En este capítulo se muestra que el tener mucho dinero y ofrecer así más por una obra, no garantiza el que vayas a conseguirla.
En el cuarto se narra la entrega de un premio británico de arte más famoso del mundo: el premio Turner. Su entrega se celebra en Londres, en el museo Tate Britain. El jurado, dirigido por Serota, nombra a los cuatro artistas nominados al premio: el videoartista Phill Collins , la pintora Rebeca Warren, Tomma Abts y Mark Titchner. Tomma Abts termina siendo la ganadora con la obra “ficciones a fuego lento: piezas solitarias y contenidas que dan la espalda a las especificidades de lo cotidiano”.
El quinto día la escritora visita la sede de la prestigiosa revista Artforum (Nueva York) y se entrevista con algunas de las personas que trabajan y cooperan con ella. Es uno de los espacios que promociona el arte tanto para su posterior venta como para darlas a conocer junto a sus creadores a la gente que no está dentro de este círculo.
El sexto día tiene lugar en Tokyo y cuenta la visita al estudio del artista Takashi Murakami. Se describe el espacio de trabajo, al equipo y al propio artista según las opiniones de sus compañeros. En este capítulo la autora nos muestra que aunque una única persona tiene el nombre de artista, hay muchas personas que cooperan junto a él en el proceso del trabajo.
Por último habla de la exposición internacional, la Bienal de Venecia, dándonos a conocer este
importante evento y nombrándonos, entre otras cosas, algunos países que participan. En este capítulo se hace mención a artistas ya vistos anteriormente ya que todos se mueven en el mismo círculo.

ANALISIS:
 Capitales: -Nueva York
-Los Angeles
-Londres
-Berlín

 Comunidades artísticas: -Vancouver
-Milán
-Glasgow

 Integrantes del mundo del arte: El artista, el galerista, el crítico y el subastador o coleccionista.
-Aspectos que influyen en el valor de un cuadro (a tener en cuenta a la hora de subastar):
-La calidad de la serigrafía.
-El precio (nuevo o no en el mercado)
-Reventa.
-Tema, tamaño y colores.
-Los cuadros en los que predomina el marron se venden peor que los azules o los rojos.
-Existen dos mercados según el estado del cuadro subastado:
-Mercado Primario: Obras nuevas que no han sido subastadas ni vendidas todavía.
-Mercado Secundario: Reventa de obras.

 Casa de subastas: -Nueva York- CHRISTIE´S
                                 -Londres- SOTHEBY`S
Entre las dos controlan el 98% del mercado mundial de subastas de arte.

Personajes de relevancia:
FRANCOIS PINAULT, es el propietario de Christie’s y renombrado coleccionista.
LARRY GAGOSIAN, es el galerista más poderoso del mundo con galerías en Nueva York, Los Ángeles, Londres y Roma. Puede subir los precios de un artista hasta un 50% cuando lo representa.
DAMIEN HIRST, artista vivo más importante. MIRAR (p.52)

 “CRIT”: Seminario donde cada estudiante presenta su trabajo para una crítica colectiva- (CALIFORNIA INSTITUTE OF THE ARTS)

 Art Basel y Art Forum: fueron las primeras ferias que se definieron como internacionales (comienzos de los 70).

 Premio Turner: Algunos ganadores del premio:
-1995- DANIEL HIRST
-1999- TRACEY EMIN
-2003- GRAYSOW PERRY
-1993- RACHEL WHITEREAD
-1997- GILLIAM WEARING
-2006- TOMA ABTS (finalistas: Rebecca Warren, Mark Titchmer y Phill Collins).

 Críticos de Arte más influyentes de Gran Bretaña:
-Adrian Searle del “Guardian”.
-Richard Dorment del “Daily Telegraph”.

 SARAH THORNTON, “No hay ciudad con más críticos de arte que Manhattan”.

CITAS CURIOSAS:
“¿CUAL ES LA RELACIÓN ENTRE EL VALOR ESTÉTICO Y EL VALOR ECONÓMICO?” (P.39)
“UN SENTIDO PLÁSTICO DEL COLECCIONISMO DE ARTE PODRIA RELACIONARSE CON LA BÚSQUEDA DE LA JUVENTUD Y EL DECIDIDO INTENTO DE REJUVENECER A TRAVÉS DE LA POSESIÓN DE NOVEDADES” (P.45)
“CUANDO LA GENTE COMPRA ARTE POR MOTIVOS SOCIALES, ES MUY PROBABLE QUE SUS GUSTOS Y PATRONES DE GASTO ESTÉN REGIDOS POR LOS CAPRICHOS DE LA MODA” (P.49)
“ES UN POCO COMO EL YOGA. TIENES QUE VACIAR TU MENTE Y SER RECEPTIVA. SE TRATA DE ABRIRSE A LA POSIBILIDAD DE LO QUE SE PUEDE LLEGAR A CONOCER.” (P.66)
“SI EL ARTISTA TRABAJA SÓLO PARA VENDER, EL MERCADO PIERDE CONFIANZA EN SU TRABAJO.” (P.105)
“EN LAS FERIAS, LOS GALERISTAS QUEDAN REDUCIDOS A MERCADERES, UN PAPEL EN EL QUE PREFERIRIAN QUE NO LOS VIERAN SUS ARTISTAS.”